La tercera edición del programa Conexiones ha sumido al Museo ABC en una atmósfera nebulosa, cargada de palpitos que asaltan al visitante cuando menos se lo espera. Es porque ha llegado El misterio del perro de sol, un proyecto de The Children Pox, el dúo artístico formado por el español Juan Zamora y la belgo-mexicana Alejandra Freymann. Juntos decidieron adentrarse en las colecciones Santander y ABC de Dibujo e Ilustración para elegir una obra de cada una y reinterpretarlas en una exposición, que es una inquietante historia visual. Y no es para menos con las piezas escogidas: Zamora seleccionó un dibujo de Máximo Ramos (Colección ABC) en el que aparece un tenue castillo y Freymann  un óleo de Nicanor Piñole titulado Pepita (Colección Santander). Los dos han hablado con la Fundación para contarnos cómo crearon este excitante circuito de incertidumbres.

¿Cómo nació El misterio del perro de sol?

Hace unos años tuvimos la suerte de ver un “perro de sol” [fenómeno óptico relacionado con la reflexión de la luz] en el cielo. Desde entonces siempre pensamos que utilizaríamos esa experiencia como uno de nuestros proyectos. Nos pareció un fenómeno simbólico a partir del cual se podía desarrollar una de las aventuras de los hermanos Glass. Éste sería un punto de partida. Cuando nos ofrecieron la posibilidad de participar en el ciclo de Conexiones decidimos elaborar esta historia tomando como escenario y personajes principales las dos piezas que elegimos de las colecciones, además de nuestros alter egos [que son los hermanos Glass]. De modo que aunque se trata de un proyecto elaborado ex profeso para esta exposición, podríamos decir que la primera semilla llevaba bastante tiempo germinando en nuestra imaginación a partir de una experiencia personal.

¿Qué es lo que os llamó la atención de las obras seleccionadas?

En el caso de la pintura de Nicanor Piñole fue la presencia fantasmagórica de un personaje detrás de Pepita, la protagonista del cuadro, y en el caso del dibujo de Máximo Ramos fue el misterio que encierra ese paisaje con lobos, castillo y espacio para que el espectador se pierda en él.

¿Qué adjetivos encierra este cuento en imágenes?

Diríamos que se trata de un cuento de aventuras en el que impera el misterio y la amistad. Podríamos definirlo como un cuento clásico por un lado, pero también muy libre, abierto y simbólico  en el que el espectador debe sentirse libre para hilar su propia historia.

¿Nos dais alguna pista para desentrañar el misterio?

No podemos, es un misterio que no se puede desentrañar; ni siquiera nosotros (que lo hemos elaborado) podemos hacerlo.

¿Por qué decidisteis utilizar materiales encontrados en rastro como papeles antiguos o fotografías?

Hemos utilizado este tipo de materiales desde el primer día que decidimos hacer un dibujo en colaboración hace ya tiempo. Nos dimos cuenta de que le dotaba a la imagen cierto carácter atemporal que resultaba perfecto para un espacio de colaboración en el que nuestras personalidades debían difuminarse para acoger un resultado común. Pronto decidimos identificar lo que hacíamos como The Children Pox, como la obra de dos niños que existieron en un pasado. La elección de este material nos resultó por ello la más adecuada para crear un ambiente muy particular en el que los hermanos Glass pudieran vivir con su propia identidad, dejando al margen la nuestra como artistas por separado.

¿Cuáles son los próximos proyectos de The Children Pox?

Próximamente estaremos en el stand de Artnueve en la feria SWAB de Barcelona del 23-26 Mayo, y en otros lugares que todavía no podemos desvelar….

Alexandra López Navarro. Fundación Banco Santander.

No, no me malinterpreten… pasé la noche del 11 de abril con Sir Raymond en la Embajada española en Londres, en el 24 de Belgrave Square, rodeado de hispanistas y gentilhombres de la Reina porque le entregamos el I Premio Fundación Banco Santander a las Relaciones Hispano-Británicas. Carr es, sin duda, el padre de los historiadores británicos (aquellos que por obra de un milagro digno de las mejores crónicas de Gonzalo de Berceo decidieron darse al estudio de las huellas de aquel país que, para muchos, no era sino un apéndice continental que a punto estuvo bajo el reinado de un tal Felipe de robarles su pedazo de tarta en la historia) ensalzados como el agua Solan de Cabras en nuestro país y anónimos como gotas caídas en un barreño dentro del suyo. Allí estaba, me pueden creer, rodeado de un tal Sir John Elliot, erguido como un antiguo galeón español de la Gran Armada, aunque educado y humilde, provisto aún con la mirada de un joven estudiante; al otro lado Lord Hugh Thomas, desafiante, de traje negro con rayas, subido en la luz a un corcel negro; y más allá, entre las olas de su aparatosa envoltura, Paul Preston, jugando al escondite con los periodistas en un tumultuoso laberinto histórico, que nos llevó a la maravillosa conclusión de que ya no hay estudiosos británicos jóvenes preocupados por la historia de España.

Pues vaya, pensé, se nos ha acabado el chollo, porque si ellos fueron los que nos enseñaron a creer en nuestra propia historia, ¿cómo vamos a hacer ahora para enseñársela a los que nos siguen? Menos mal que han dejado escuela, como Carr en el St Antony’s College. Que se lo digas a Schlomo Ben Ami, a Fusi, a Varela Ortega, y tantos otros…No sé si habrá lecciones que aprender. Bueno, aquella noche sí…ver a un aventurero que cumplía 93 años, que acababa de perder un hijo no hacía muchos meses, y seguía allí en su silla de ruedas aquella ceremonia como ajeno, hasta que al oír felicidades, alzó su mano como un dios remoto regresado al mundo de los vivos, y sin elevar la cabeza demasiado, dejó a los demás hacer agradeciendo ese último homenaje. Luego vinieron las charlas y bromas, su interminable gesticulación mediterránea y emotiva, tan lejos del encopetamiento, la risa a borbotones, y vimos otra vez al zorro y su insaciable curiosidad, como tituló su biografía, María Jesús González hace pocos años. Carr había vuelto al paraíso español en su Embajada, con aquel vino que le reconcilió, de repente, con su propia historia.

F. Javier Expósito, Responsable literario y de comunicación de la Fundación Banco Santander

¡Preparados, listos, ya! Hace meses que estamos todos inmersos en la carrera de fondo que supone la organización de una exposición como la que inauguramos el próximo día 10 de febrero de 2012: Pinturas de la Rubell Family Collection.

Las redes sociales, Facebook, Twitter y Youtube, lanzando información, los anuncios y encartes ultimándose, el banner ya en la web, permisos, copyrights, el catálogo, folletos, invitación, el Save the Date, aval, seguro, montaje, plano, visitas-taller… un sin fin de detalles que hacen posible que expongamos en la Sala de Arte Santander una de las mejores colecciones del mundo de arte contemporáneo: la Rubell Family Collection.

¿Quiénes son los Rubell? Don y Mera Rubell empezaron a coleccionar arte cuando vivían en Nueva York, en los años sesenta, trabajando como dos profesionales de clase media. Cuentan que comenzaron visitando galerías, talleres de artistas y leyendo muchas revistas especializadas, y que pasaron dos años hasta que se decidieron a comprar su primera obra de arte. Por supuesto pagada en cómodos plazos.

Gracias a la suerte, el destino y al esfuerzo de esta pareja, actualmente han conseguido formar una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes del mundo, de la que es continuador su hijo Jason Rubell. Son asiduos en las listas de los 100 personajes más influyentes en el mundo del arte, y además de su sede en Miami (3.700 m²), están trabajando para inaugurar otro espacio en Washington DC.

Es un orgullo ser la primera sede en Europa en exponer una selección de esta colección, para la que han elegido obras de un grupo de 33 artistas cuyo medio de expresión artística es mayoritariamente la pintura, y desde la que han querido hacer un guiño a la tradición de la pintura europea, tan magníficamente representada en el Museo del Prado, el museo favorito de los Rubell.

María Beguiristain, Responsable de Coordinación Artística. Fundación Banco Santander

Quedan ya pocos días para que la Fundación Banco Santander inaugure su exposición Pinturas de la Rubell Family Collection, y la emoción de la cuenta atrás se palpa en el ambiente. El día 10 de febrero, la Sala de Arte abrirá sus puertas para ofrecernos una muestra de 68 obras pertenecientes a la colección de la Familia Rubell −una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes del mundo− que, hasta el 17 de junio, tendremos el privilegio de exponer en la Ciudad Financiera de Boadilla.

Ahora bien, una exposición no es tan sencilla como aparentemente parece. Para mí, que siempre había desempeñado el papel de mera espectadora, una exposición de arte consistía en una serie de pinturas, esculturas, etc. que podían gustarme en mayor o menor medida. Y ahí acababa toda reflexión acerca de ello. Sin embargo, ahora que lo conozco desde dentro, tengo otra concepción radicalmente distinta de lo que es una exposición de arte, y soy consciente de todo el trabajo que lleva detrás.

Debido a que mi periodo de prácticas empezó hace escasos dos meses, no puedo hablar de la organización ya que, para bien o para mal, me perdí ese paso. Yo llegué en plena fase de diseño de los catálogos, los folletos, la publicidad y las invitaciones: dos meses trabajando, comentando y leyendo acerca de unos cuadros que sólo podía ver a través de una imagen de ordenador. Y por fin, el jueves pasado, llegaron a Madrid esos cuadros que todos conocemos en la Fundación y que se han convertido en una parte tan importante de nuestras vidas. Al abrir la parte trasera del camión en el que llegaron a la Sala, después de un viaje de casi una semana desde Miami hasta Madrid, me inundó una mezcla de nerviosismo, alivio y fascinación mientras contemplaba como descargaban esas cajas, aparentemente corrientes, pero que guardaban en su interior los preciados tesoros de la Familia Rubell.

El culmen llegó, sin embargo, el lunes siguiente. Esa mañana se iba a proceder a la apertura de las cajas y en la Sala reinaba una sensación de inquieta expectación. A las 10 de la mañana, cuando estuvo todo preparado, comenzamos a abrir las primeras cajas. Cada uno de los presentes actuábamos en perfecta armonía, desempeñando el papel que teníamos asignado, como si fuéramos los bailarines de una coreografía que habíamos interiorizado previamente. Una por una íbamos abriendo las cajas e íbamos sacando los tesoros que contenían. Con cada nueva caja, surgía una nueva emoción, ¿qué cuadro sería esta vez? ¿Un Matthew Day Jackson? ¿Un Murakami? ¿O quizá el de Andy Warhol? Me sentía como el niño que, en el día de su cumpleaños, rasga nervioso el papel que cubre sus regalos y, con cada paquete, va descubriendo nuevas sorpresas con las que jugar.

Mientras escribo, de nuevo en la sede de la Fundación, no paro de pensar en el jueves, día en que vuelvo a la Sala para proseguir con el montaje de la exposición. Para acortar la espera, miro los cuadros en el ordenador y recuerdo lo que sentí al verlos en vivo, cuando impresionada pude apreciar la magnificencia y las peculiaridades que los caracterizan como verdaderas obras de arte.

Neila López Sánchez. Fundación Banco Santander

Una de las primeras tareas periodísticas que me han encomendado en la Fundación es la elaboración de una nota de prensa sobre la nueva edición del ciclo de conferencias Biografía e Historia (que este año lleva por nombre De los virreinatos a la Independencia (2). Personalidades e Imaginarios). Fue en el preciso instante en el que me planté frente al ordenador para escribir el texto cuando me di cuenta de una vergonzosa realidad: mi bagaje histórico es del tamaño de un guisante.

Ante esta lamentable verdad, no me quedo otra que bucear en las marismas de la Historia para que mi pequeño guisante creciera con la misma rapidez que las semillas del cuento Las habichuelas mágicas. Gracias a ello no sólo logré  reducir mi ineptitud cultural, sino que confirmé un supuesto que vagaba en mi cabeza desde hace unos días. Resulta que los ciclos de Biografía e Historia son una excelente oportunidad para rellenar ese vacío histórico que merma la formación de muchos jóvenes españoles (entre los que, muy a mi pesar, he de incluirme).

¿Por qué lo son? Porque en ellos se ofrece una prebenda de gran valor, difícil de encontrar en la actualidad: una visita a los momentos históricos más relevantes de nuestro pasado de la mano de algunos de los guías más prestigiosos que existen para tal viaje. En el caso de la edición de este año, académicos como Carmen Iglesias, Gonzalo Anes o Víctor García de la Concha son los encargados de enseñarnos el camino por el que pasearon grandes literatos, políticos y personalidades del mundo de la cultura.

Las pisadas de José de Gálvez (creador del Virreinato de Río de Plata), Sor Juana Inés de la Cruz (notable escritora hispanoamericana del Siglo de Oro) y Andrés Bello (auxiliar de Simón Bolívar y precursor de la fundación de la Universidad de Chile) conforman la tríada de pasos que los ponentes de este año seguirán para llevarnos 200 años atrás y descubrir por qué es fundamental conocer la Independencia de Hispanoamérica para comprender la época actual. Yo ya lo he averiguado y el hallazgo es de una utilidad eminentemente palpable en una sociedad tan multicultural como es la nuestra. Así que estoy convencida y con ganas de asistir a un ciclo que promete ser mucho más enriquecedor que mis simples indagaciones. Espero veros por allí, todos los miércoles de febrero a las 19,30 h. en el Auditorio del Museo de la Ciudad.

Alexandra López Navarro. Fundación Banco Santander.

Estamos viviendo una polémica en torno a la restauración en el Museo del Louvre del cuadro de Leonardo da Vinci, La Virgen, el Niño y Santa Ana.

Siempre que una obra emblemática ha de ser restaurada, y antes o después debe serlo, se crea este comité de expertos que da las pautas para acometer el trabajo y que, se supone, debe controlar el proceso de restauración, aunque casi siempre surge la polémica.

Ahora todo el mundo se hace eco de las dimisiones de algunos de los expertos que han formado parte del comité asesor para la obra de Leonardo y se sorprenden del trabajo realizado pero, ¿no ha habido un seguimiento continuo del proceso? Si ha sido así, ¿por qué no se ha parado la limpieza “excesiva”?

El buen restaurador debe conocer a la perfección el trabajo del artista que realizó la obra que va a restaurar y por tanto debe respetar las veladuras y los matices del creador.

Pero, ¿por qué se ha levantado la actual polémica? ¿Ha habido, como se ha alegado, una limpieza excesiva?

No se ha oído la voz de los restauradores ni se han conocido los informes pertinentes que justifican el trabajo. La única forma de esclarecer este problemático tema es la exhibición del cuadro y de los informes oportunos que justifiquen lo realizado.

Lo que no se puede alegar nunca, como se ha hecho por parte de alguno de los dimisionarios, según algunos medios, es que se ha cambiado la visión del cuadro, porque posiblemente ésta estaba deformada por el tiempo.

Cuando en el Museo del Prado se restauraron Las Meninas de Velázquez o El caballero de la mano en el pecho de El Greco, ya se oyeron voces discordantes porque había cambiado la visión de los cuadros y ambos tuvieron unas restauraciones maravillosas que nos han devuelto la visión original de los artistas que los realizaron.

Seamos serios respetando el arte, cuidemos el patrimonio que debemos legar a las próximas generaciones, evitemos los tratamientos innecesarios y por favor, no antepongamos nuestro gusto personal. La polémica solo beneficia a los que la provocan.

Rosario López Merás, Directora de Proyectos Culturales, Fundación Banco Santander

Soledad Sevilla (Escrito en los cuerpos celestes ) crea un volumen dentro del palacio de cristal del Retiro, que yo no sabía que espacialmente es como la sala Unilever de la Tate Modern, y reproduce el Palacio de nuevo, pero para rediseñarlo y cargarlo de mensajes. Mensajes de los que sólo tenemos los signos de puntuación, como si nos dijera: “te doy los sentimientos, pon tu las palabras”.

La exposición ¡Volumen! en el Macba de Barcelona es una invitación a recorrer la dimensión escultórica y acústica del paso del arte del siglo XX al XXI, donde el sonido y la voz se han consolidado como materiales de la producción artística (folleto dixit). En esta exposición, a pesar de estar dedicada al sonido y la voz, de nuevo los más perjudicados por mi falta de tiempo/atención son las instalaciones acústicas y vídeos. Agradezco que se hayan recogido las transcripciones de los vídeos de Muntadas Between the Frames, que consiste en ocho capítulos sobre el sistema del arte que se basa en 160 entrevistas que realizó entre 1983 y 1991.

Finalizo con Serra/Brancusi, en el Guggenheim de Bilbao hasta el 15 de abril. El montaje precioso, pocas piezas pero rotundas. Las obras de Brancusi llenan las salas con toda su delicadeza, sus formas redondeadas, sensuales… las obras de Serra intervienen el espacio interrogándonos por su equilibrio, su estabilidad, su relación con la galería y nuestra actitud ante cada una de las piezas.

Serra sintió una revelación en los años sesenta al visitar la reconstrucción del taller de Brancusi. Se decantó entonces por la escultura.

La próxima vez que vaya a París, visitaré el taller de Brancusi, quién sabe, quizá buscando también una revelación.

María Beguiristain, Responsable de Coordinación Artística Fundación Banco Santander

Aunque parezca algo contradictorio he decidido empezar este pequeño texto con un fragmento de otro de mis proyecto, La boule de niege. Historia de un fracaso. Este reflexión podría servir perfectamente para definir el motor y el leitmotiv de UNMENSAJEPARAANABEL.

Actualmente vivimos en un presente fugaz, sumergidos en una enorme ola que arrastra y hace desaparecer todo aquello que no es asimilable en una fracción de segundo. Un presente alimentado por un deseo constante y compulsivo que sólo mira hacia adelante. En un tiempo en el que todo pasa rápidamente y casi nada deja poso en nuestra memoria, no es extraño que surjan corrientes en sentido contrario. Actitudes que reivindican algo de lentitud y permanencia ante el cansancio que impone la velocidad constante”

Al volver sobre mis pasos, mis propias palabras -un recorrido de ida y vuelta en el que encuentro continuamente pistas para seguir adelante-, al leer atentamente nuestra historia, las experiencias se vuelven reveladoras. Tomémosno nuestro tiempo para pensar, divagar, dejarnos llevar, aunque a veces parezca que rememos a contracorriente,

UNMENSAJEPARAANABEL surge, como no podía ser de otra manera, de un promesa no cumplida del pasado; una promesa que en el presente se ha convertido en un proyecto al que estamos todos invitados.

A partir de una imagen compartida que se multiplicará hasta el infinito (un dibujo de miles de trazos de rojo, verde y azul, con cuyas combinaciones están compuestas todas la imágenes electrónicas que consumimos compulsivamente) podremos construir un contexto nuevo desde el que reflexionar sobre el poder y el significado de las imágenes, y sobre la sobreexposición y la superabundacia de estímulos a los que estamos continuamente sometidos en la llamada era de la información. que más bien se podría denominar la era del sinsentido.

Es cierto que ninguna imagen es capaz de hablar con claridad de la propia lógica que la construye, sin embargo UNMENSAJEPARAANABEL nos interroga, abriendo una brecha en este sentido, sobre nuestra mirada y el significado que le otorgamos a lo que observamos, o más bien a lo que vemos fugazmente. Una imagen que viajará con nosotros allá donde estemos y en la que podremos encontrar tanto como estemos dispuestos a dar.

Juan Carlos Bracho. Artista